Montage # 107 – This Day in Music History/Ephéméride Musical 29-05-1913

As of June 28, 2013, this montage will no longer be available on Pod-O-Matic. It can be heard or downloaded from the Internet Archive at the following address / A compter du 28 juiin 2013, ce montage ne sera plus disponible en baladodiffusion Pod-O-Matic. Il peut être téléchargé ou entendu au site Internet Archive à l'adresse suivante:

http://archive.org/details/Pcast107



===================================================================== English Commentary – le commentaire français suit

Scandalous, momentous, inevitable.
Depending on what you read, any of these three adjectives could apply to the programme conducted by Pierre Monteux at the Théâtre des Champs-Elysées on May 29, 1913.

What happened on that evening is viewed either as the most infamous dance recital of its day, or as the day that the Romantic Era died.

Les ballets Russes
Related link: History of Ballets Russes

Serge Diaghilev was NOT necessarily a controversial man. His ballet troupe had as core mission to keep alive the Russian ballet tradition, the one that we associate freely today with the Kirov and Bolchoi ballets. A dance tradition that goes back to the lavish grand ballets of Adophe Adam, Peter Tchaikovsky and others. A ballet tradition that would be at the root of so many famous ballet companies, be they the Royal Ballet or the American Ballet Theatre. A tradition which relies on a curious mix of pageantry, athleticism, discipline and – above all – stunning choreography.

Les Ballets Russes were a Paris mainstay, and had quite the repertoire of classical and commissioned ballets. Composers like Glazunov, Tcherepin, Ravel, Debussy and Stravinsky would compose original music for the company, its great dancers (Nijinsky and Pavlova) and its brilliant choreographer, Mikhail Fokine.

Le Sacre as in Sacrilege
The original title in French, Le Sacre du Printemps, can apply more than one meaning to the word “Sacre”. Literally translated, it means Rite or Ritual, in religion, it does imply sacrament and in Québécois French, Sacre is synonymous with blasphemy.

In a “chicken and egg” view of the work, it is hard to know if the Rite and its images find their origin in the brains of the composer or his choreographer. According to what I have read, Stravinsky did have a pagan rite in mind when he wrote the music. Spring is a season of renewal after a long winter, and the idea of a maiden “dancing herself to death in ritual sacrifice” seems counter to the concept of Spring – season of love, season of fertility, anything but death, really.

Regardless of who’s idea it was, the music of the Sacre, and in particular the programmatic details that Stravinsky would embed in the score in his later revision – leave no margin for error. This is indeed, a druid, a pagan ritual, offered to the Good Earth.

Is it the Music or the Dance?

Related Link: Le Sacre Du Printemps and its Volcanic Reception

Stories abound about the reaction of the public that night, including the ensuing riots. So what was it that outraged the public to the point where we witness such a reaction. We should also note that Paris is no stranger to bad behaviour on an Opening Night – ask Claude Debussy and the reception that Pelleas had…

The montage is my best attempt at recreating that evening’s program. I’m not sure what the order of the works was specifically, but I have to think the Rite was the closing piece. The other ballets included:

Les Sylphides, the very classical ballet based on the piano music of Frederic Chopin. On that night, Monteux would have played a different version of the orchestration, as the work had evolved from an original setting by Glazunov, with other composers (including Stravinsky!) offering their own adaptations.. This hodge-podge of transcription sis the very reason why British composer and orchestrator Roy Douglas redid Les Sylphides from scratch, in the version that is now most widely used - and heard in the montage.

Le Spectre de la Rose, is a short choreography loosely based on the program envisaged by Carl Maria von Weber when he wrote Invitation to the Dance (the original Weber piano version is available in a montage from 2 years ago). The orchestration is by Hector Berlioz.

The Polovtsian Dances, are the dance sequence from Borodin’s opera Prince Igor. Again, in my Invitation to the Dance montage, I offered a version with chorus. Here, I went for an all-instrumental version, as I am unsure if Monteux would have had a chorus on stage (Mind you, in an earlier ballet from that season – Ravel’s Daphnis et Chloe – he had a chorus chanting and humming in the background)

All three of these ballets were choreographed by Fokine - however, early in 1912, Fokine left the troupe over artistic disagreements with Nijinsky, and it is the dancer who choreographed Le Sacre.

So far, the ballets stay well within the norm of the traditions. Stravinsky’s closing ballet comes in the heels of two other BR commissions – The Firebird and Pétrouchka (from which we played the final tableau last week). Although Petrouchka isn’t quite as romantic as its predecessor, it dies not stray far from Russian folk music and folk imagery.

So, going back to our initial question , one can easily imagine that the public reaction was in large part due to how different the last ballet was from the first three. Nothing ritual in any of these past works. The music, costumes and choreography probably conspired towards the reaction of the crowd.

I think you will love this music too.

=====================================================================

Commentaire français

Tout dépendant de votre point de vue, la date du 29 mai 1913 est soit un récital des Ballets Russes de Diaghilev d’une notoriété incontournable, ou une balise ferme qui marque la fin d’une époque en musique. Quel que soit votre point de vue, on souligne aujourd’hui le centenaire de la première prestation publique du Sacre du Printemps de Stravinski, sous la baguette de Pierre Monteux, au théâtre des Champs-Elysées.

Scandaleux, mais pourquoi donc?
On peut (je crois) affirmer que s’il y a eu scandale, c’est sans doute à cause du ballet et non pas nécessairement à cause de la musique.

Je reviendrai plus tard au programme de cette soirée, mais il est clair que le Sacre ne représente pas un ballet, ou un poème dansé, ou même une chorégraphie qui suit forcément ce que j’appellerais la «tradition Russe», ou plus spécifiquement la tradition de la compagnie de Diafghilev. Cette tradition, on la reconnaît encore aujourd’hui parmi les prestigieuses compagnies du Bolchoï ou du Kirov, la tradition des Pavlova, des Nureyev ou des Baryshnikov. Cette tradition est mieux représentée par Les Sylphides (qui est l’autre mise en scène majeure du programme de la soirée), ou Giselle, ou Le Lac des Cygnes.

Si oin revient aux Balllets Russes et à leur répertoire, en plus des «grandds classiques» mentionnés ci-haut, on doit ajouter des commandes: Jeux (Debussy) et Daphnis et Chloé (Ravel) en plus d’une paire de ballets de Stravinski (l’Oiseuu de Feu et Pétrouchka). Il est donc très normal que Diaghilev propose des nouveautés.

En 1909, Diaghilev invite le chorégraphe Mikhail Fokine è se joindre aux Ballets Russes. Fokine fut le chorégraphe qui monta les Sylphides (originalement Chopiniana) en 1907, et il créera Le Spectre de la Rose (1911), ainsi que les deux ballets de Stravinski commandés par Diaghilev (1910 et 1912) ainsi que Daphnis (1912). Il quittera la troupe en 1912, suite à une tension insoutenable entre lui et le danseur-vedette de la troupe, Vaslav Nijinsky. Ce dernier prendra les rênes de la direction artistique de la troupe, et y créera L'après-midi d'un faune (1912); Jeux (1913) avant de s’attaquer à la chorégraphie de la nouvelle commande de Diaghilev à Stravinski, Le Sacre du Printemps.

Il n’est pas clair (pour moi en tous cas) si le programme suggéré par la musique est du compositeur ou du chorégraphe, mais il est clair que l’approche musicale du compositeur appuie largement un rituel païen, qui culmine avec le sacrifice d’une danseuse qui s’éteint suite à une danse éreintante au possible.

Pour le Sacre, Nijinsky crée une chorégraphie qui dépasse les limites de la danse conventionnelle, voire vulgaire. Ainsi donc, pour la première fois, le public Parisien sont confrontés à une approche futuriste, une nouvelle tendance, la danse moderne.

Les pas saccades, les angles radicaux explorés par Nijinsky, jumelés à la partition moderne de Stravinski, résultent à l’accueil et à l’émoi du soir de première.

Le Programme

Le montage que je vous propose aujourd’hui est ma tentative de recréer le programme des Ballets Russes du 29 mai 1913. L’ordre des pièces est (je crois) conforme au récital. Les chorégraphies de Fokine pour Les Sylphides et Le Spectre de la Rose forment l’avant-entracte.

(Notez que la version des Sylphides du montage est celle du compositeur et orchestrateur Roy Douglas, qui date de 1936. Des dires de Douglas, une nouvelle orchestration plus homogène était nécessaire. Les Ballets Russes auraient utilisé des orchestrations signées Glazounov, Lyadov, Taneyev, Tcherepnin et Stravinski.) Le Spectre de la Rose s’inspire de l’orchestration qu’Hector Berlioz fait de l’invitation à la danse de Carl Maria von Weber.


Après l’entracte, le récital reprend avec une chorégraphie des Danses Polovtsiennes, séquence dansée de l’opéra de Borodine, Prince Igor. La version retenue aujourd’hui est déporvue de choristes – il n’est pas clair si l’exécution en aurait eu recours.

Et, pour terminer, Le Sacre. La version retenue est la version publiée par Stravinski en 1921. La version «originale» de 1913 n’existe que sous forme manuscrite, et sera publiée cette année de centenaire par la fondation Paul Sacher. La première édition publiée du Sacre était d’une réduction pour piano, et fut offerte pour piano mécanique avant une version pour oirchestre!

Il est intéressant de suivre la saga des différentes «éditions» de la partition orchestrale du Sacre. Généralement, Stravinski a personnellement vu à la ré-édition de toutes ses œuvres majeures à au moins une sinon deux reprises; une édition qui date des années Stravinski aux USA (post-1945) serait une question pécuniaire. Pour son 80e anniversaire de naiissance, la Maison Columbia appproche Stravinski afin d’assurer la direction musicale de l’enregistrement de l’intégrale de son œuvre, et il dirigera lui-même la plupart de ses grands ballets avec l’orchestre éponyme Columbia Symphony, et avec l’orchestre de Radio-Canada à Toronto.

Durant les sessions Columbia, les lutrins des musiciens étaient tous dotés de crayons, afin de noter les changements que le compositeur effectuait à ses partitions en temps réel durant les répétitions! Suite à ce projet, Stravinski publiera de nouvelles partitions. Il y a donc deux ré-éditions majeures du Sacre: 1947 et 1965. Fait à noter, la version dirigée pour Columbia par Stravinski en 1960 est de l’édition 1947, mais fait appel à une orchestration inédite de la «danse du sacrifice» – que Stravinski croyait supérieure à l’édition 1947, et qui est enchâssée dans la version 1965. Il y a une trôlée de versions corrigées entre 1920 et 1960, quelque chose de tout à fait normal puisque Stravinski était un fignoleur obsédé.

Bonne écoute!

La Chronique du Disque (Mai 2013)

In English: http://www.talkclassical.com/blogs/itywltmt/1182-la-chronique-du-disque.html

NDLR: La chronique du disque est un billet présenté mensuellement, relatant mes achats et acquisitions du mois qui s’achève. Ceci n’est pas une «critique du disque», mais plutôt un billet d’informations : qu’est-ce que j’ai trouvé, où l’ai-je trouvé, et qu’est-ce que j’en pense. Des informations qui peuvent piquer votre curiosité et (peut-être) vous amener à considérer les pièces ou même les prestations que je propose, afin de les ajouter à votre collection.

Parce qu’il se doit, je vais assigner une «note» (une lettre entre A et D) pour ces achats – en fait, deux notes, comme on le fait au patinage artistique. Une note sera attribuée à la qualité sonore (QS), et une autre pour l’impression globale (IG). Voici un barème :

• Pour la qualité sonore: mon point de référence est mon iPod avec écouteurs de type bouton. J’écoute mon iPod au travail et dans l’autobus, donc avec un certain niveau de bruit de fond. Une «bonne» note est assignée si la prise de son est bonne, la musique est claire et exempte de bruits de surface, et généralement permet une audition claire de la prestation sans dérangement.
• Pour l’impression globale: il s’agît-là d’une note subjective, entièrement basée sur la performance dans le contexte d’auditions comparables. Une «bonne» note requiert une prestation convaincante, pleine de virtuosité, représentative de l’ère et des traditions qui accompagnent la pièce.

Mes suggestions pour mai

Meyerbeer: Struensee - Les Patineurs

[eMusic]

Giacomo Meyerbeer est un des luminaires de ce qu’on se doit appeler le Grand Opéra: Le Prophete, l’Africaine, et tant d’autres. Cet album propose de la musique de scène pour une pièce écrite par le frère du compositeur (Struensee), ainsi qu’un ballet inspiré d’extraits d’opéras du compositeur par Constant Lambert.  Un diusuqe prepare avec soin – la musique de scène est uune belle découverte. . QS = A, IG = A-.

Dompierre: 24 Préludes
[eMusi

Maintenant mieux connu comme personnalité radiophonique sur la chaîne Espace Musique de Radio Canada, François Dompierre reste tout de même un de nos compositeurs les plus respectés. De Saute-mouton aux Portes Tournantes en passant par ses musiques de concert, Dompierre est à la fois un compositeur sérieux et un musicien d’une espièglerie obsessive. On l’entend souvent improviser au piano lors de ses émissions, et ces préludes me rappellent beaucoup ces escapades musicales. Pensives, jazzies, mais toujours intelligentes, ces préludes donnent sûrement du fil à retordre au pianiste et confrère de Domiperre, Alain Lefèvre. Une formule adoptée par Bach, Chopin et Chostakovitch, cet ensemble explore toutes les tonalités du registre. Inévitablement, certaines préludes sont répétitives, mais toujours agréables.  QS = A, IG = A-.

The Sea Hawk [Original Film Score]
[Torrent]

Nous sommes à ;a veille du centenaire du Sacre du Printemps, ce qui m’a amené à considérer beaucoup de billets (et planifier beaucoup de montages) autour des irréductibles romantiques et des rebelles de la musique. Erich Korngold est décidément un de ces irréductibles. Décision fortuite, Kortngold accepte de travailler à Hollywood (juste au moment où les Nazis entreprennent la persécution des Juifs) et il y signera un bon nombre de musiques de films au cours de l’essor du film d’action. The Sea Hawk suit les escapades d’un flibustier (incarné par Erriol Flynn) et ses aventures pleines de rebondissements. Le film est bien en place pour son époque, et cette musique (qui valut un Oscar pour le compositeur) suggère les grandes trames des contemporains et successeurs de Korngold au Grand Ecran. Prestation intégrale mais pas la trame originale (celle-ci n’ayant jamais été mise sur disque). QS = A, IG = A.

Khachaturian: Concerto for Piano and Orchestra
[eMusic]

Dame Moura Lympany (1916 –2005) fut l’une des premières grandes dames du piano contemporain en Grande Bretagne, jouissant d’une grande notoriété outre-mer. Reconnue pour son répertoire Russe, elle signera la premi;ère interprétation de ce concerto (celui de Khatchaturian) au Royaume-Uni en 1940 (suite au désistement de son compatriote Clifford Curzon). Accompagnée ici par Anatole Fistoulari et la Philharmonique de Londres, on ne peut que regretter la piètre qualité de la session d’enregistrement. En dépit des circonstances, l’auditeur remarque que Dame Moura s’investit pleinement dans ce qui ne pourrait pas être mépris pour de la grande musique. Bel effort, mais le résultat est donc mitigé. QS = C+, IG = B+.

Beecham - Chabrier, Mozart, Delius, Debussy, Saint-Saens, Berlioz, Massenet (1955-1959)
[eMusic]

Sir Thomas Beecham n’est pas nécessairement l’homme de la circonstance pour le répertoire Français – où sautons-nous à une conclusion précipitée? Sir Thomas et son Royal Philharmonic sont tout à fait dignes dans leurs interprétations soignées de pièces (certaines très bien connues) de ce répertoire, croquées sur le vif par les micros de la BBC. La série BBC Legends propse de bons enregistrements mono ou des premiers balbutiements du stéréo,, mais j’ai trouvé que cet album est moins bien réussi que d’autres de la série. De plus, eMusic m’a obligé à télécharger deux pl;ages de propos du vieux chef afin dM’obrtenir toutes les plages de musique… Pas mal, tout de même. QS = B, IG = B+.

Montage # 106 - Haydn: The Paris Symphonies/les Symphonies Parisiennes (3/3)

As of June 21, 2013, this montage will no longer be available on Pod-O-Matic. It can be heard or downloaded from the Internet Archive at the following address / A compter du 21 juiin 2013, ce montage ne sera plus disponible en baladodiffusion Pod-O-Matic. Il peut être téléchargé ou entendu au site Internet Archive à l'adresse suivante:

https://archive.org/details/Pcast106




===================================================================== English Commentary – le commentaire français suit

This week’s final installment of our look at the Paris Symphonies considers symphonies no. 82 and 86.

Symphony no. 86 is one of two in the set that doesn’t bear a nickname. Set in D Major, the first movement falls in line with the Haydn formula, with a  broadly conceived sonata. An unusual feature is that the primary theme of the exposition begins "off-tonic" and does not resolve to the D major until five bars in. Similarly the secondary theme group also delays establishment of the dominant key. The sonata-form finale is characterized by themes contain the rhythmic motif of five eighth-notes leading into the next bar. In most cases, these five notes are also repeated in staccato.

Speaking of bearing a nickname, this is exactly what Symphony no. 82 does – it is known as “the Bear”. As with the nicknames of all Haydn's symphonies, it did not originate with the composer. Instead, the name derives from a recurring feature from the last movement (including its famous opening), in which Haydn intimates the tonality of bagpipes: a low sustained drone, accentuated by a grace-note on the downbeat. This curious tonality prompted an 1829 piano arrangement of the symphony to be entitled Danse de l'Ours, the earliest known printed appearance of the nickname.

Also noteworthy, the work was first performed under the direction of the celebrated mulatto musician, Joseph Boulogne, Chevalier de Saint-Georges. Known as the "black Mozart" he was one of the earliest musicians of the European classical type known to have African ancestry.

If Haydn’s curious dance is a reference to the music used to accompany dancing bears — a popular form of street entertainment, it is only fitting that we fill today’s montage using references to the circus, and an interesting segment from Igor Stravinsky’s ballet Petrouchka.

Some of the music I retained include Fucik’s Entrance of the Gladiators, another Stravinsky miniature (the Circus Polka, really intended for elephants rather than bears) and Elvis Presley’s fun ballad Teddy Bear. Aram Khachaturian’s Sabre Dance from the ballet Gayaneh is both well-suited for circus performance – and also evokes another infamous late night bear, courtesy of Conan O’Brien’s long-running talk-show. A bear that has a very, shall we say, unique tendency to pleasure himself…

The Stravinsky excerpt from the 1911 ballet Petrouchka is the final tableau, known as “Evening at the Mardi Gras”, which is full of the buskers and street entertainment you would expect at such an event. There is a very distinct sequence in the tableau where Stravinsky depicts… a dancing bear.

This also acts as a segue to our montage of this coming week – set for Wednesday the 29^th – and what would seem to be a pretty mundane evening at the ballet. Or was it?

 I think you will love this music too!

=====================================================================

Commentaire français

Afin de conclure notre survol des symphonies Parisiennes de Joseph Haydn, je vous propose les symphonies no. 82 et 86.

Deux symphonies de cette collection n’ont pas de surnom, et c’est exactement le cas pour la 86^e symphonie. Cette symphonie en ré majeur suit ce que j’appelle la formule Haydn: sonate/mouvement lent/menuet/finale.  La sonate du premier mouvement commence hors-tonalité, et se range après une demi-douzaine de mesures. A surveiller : la finale et son usage de quintes.

Les surnoms souvent associés avec les symphonies de Haydn sont rarement de son cru. Le surnom de cette 82^e symphonie vient d’une transcription pour piano datant de 1829. Le titre du fascicule est la Danse de l'Ours, référence au motif qui rappelle le son de la cornemuse et les battements qui s’en suivent, comme les musettes qui accompagnent les ours dansants qui divertissaient les passants de l’époque.

Fait à noter, la première de la symphonie aux concerts de la Loge Olympique fut sous la direction de Joseph Boulogne, Chevalier de Saint-Georges. Parfois appelé le “Mozart noir”, Saint-Georges est sans doute le premier musicien d’importance avec du sang Africain.

En complément de programme, je me permets de maintenir le cap sur la musique des foires et du cirque, à commencer par Les Gladiareurs (Fucik) souvent l’appel des spectateurs au Grand Chapiteau, la Danse des Sabres (Khatchatourian) et Circus Polka (Stravinski) qui sont bien en place pour le cirque.

Nos derniers clins d’œil à l’ours comprennent la charmante ballade Teddy Bear du King et le tableau final du ballet Pétrouchka de Stravinski – le soir du Mardi Gras - qui évoque à sa façon les amuseurs publics qu’on associe avec une fête foraine. Ceci inclut, bien sûr, notre ours dansant. Pétrouchka est également un tremplin intéressant pour ma réflexion (exceptionnellement mercredi prochain) sur le récital des Ballets Russes le 29 mai 1913. Une soirée au ballet pas comme les autres…

Bonne écoute!

Haydn: Les symphonies mitoyennes

In English: http://www.talkclassical.com/blogs/itywltmt/1176-haydn-tween-symphomnies.html

Pour ce Mardi en Musique, j'ai pensé continuer mon regard sur les symphonies de Joseph Haydn, mais dans un contexte un peu particulier.

Dans mon billet inaugural de ma série des symphonies Parisiennes, j'ai souligné que Haydn avait spécifiquement changé son contrat de services avec la cour d'Esterházy afin de lui permettre de composer des symphonies pour d'autres commanditaires. Après les symphonies Parisiennes composées pour le Comte d'Ogny et avant les douze symphonies Londonniennes qu'il composera pour le compte de l'impressario Johann Peter Salomon, on compte cinq symphonies qui furent composées à l'intention de Johann Peter Tost, violiniste de l'orchestre de Haydn pour lequel il compose également les quatuors de l'op. 54 et 55, et pour le Prince Ernst de Oettingen-Wallerstein. De ces symphonies que je qualifie de "mitoyennes" la première et la dernière (les symphonies nos. 88 et 92) se sont méritées des surnoms.

La 88e symphonie fut sans doute composée pour l'auditoire Parisien, mais eut sa première à Londres. La lettre V fait référence au catalogue de la sociéte philharmonique de Londres. Au XIXe siècle, avant le catalogue Hoboken, il était usuel d'utiliser la référence de ce catalogue pour les symphonies de Papa Haydn.

La symphonie no. 92 a le surnom Oxford en raison de concerts dirigés à cette université en remerciement pour un doctorat honoris-causa. Haydn avait originalement opté pour une symphonie originale mais, faute de temps, opta pour celle-ci qui fut créée à Londres quatre mois auparavant.

Entre ces symphonies, on retrouve d'autres oeuvres toutes aussi intéressantes. Les performances retenues sont toutes des performances publiques, par des orchestres de renom et sous la baguette de chefs reconnus.

Bonne écoute!

PLAYLIST

Franz Josef HAYDN (1732-1809)

Symphonie # 88, en sol majeur, Hob. I:88, "La lettre V"
[composée pour Johann Tost]
Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks
Mariss Jansons, direction
Prestation publique - Musikverein, Vienne, 5 Oct 2008


Symphonie # 89, en fa majeur, Hob. I:89
[composée pour Johann Tost]
Chicago Symphony Orchestra
Riccardo Muti, direction
Prestation publique - Orchestra Hall, Chicago, 30 Sep 2010

Symphonie # 90, en do majeur, Hob. I:90
[composée pour le Prince Ernst de Oettingen-Wallerstein]
Koninklijk Concertgebouworkest
John Eliot Gardiner, direction
Prestation publique - Concertgebouw, Amsterdam, 7 mars 2010

Symphonie # 91, en mi bémol majeur, Hob. I:91
[composée pour le Prince Ernst de Oettingen-Wallerstein]
Wiener Philharmoniker
Simon Rattle, direction
Prestation publique - Musikverein, Vienne, 19 avril 2009
"
Symphonie # 92, en sol majeur, Hob. I:92, "Oxford"
[composée pour le Prince Ernst de Oettingen-Wallerstein]
Wiener Philharmoniker
Simon Rattle, direction
Prestation publique - Musikverein, Vienne, 19 avril 2009

Merci a magischmeisjeorkest (http://www.youtube.com/user/magischmeisjeorkest?feature=watch)

Montage # 105 - Haydn: The Paris Symphonies/les Symphonies Parisiennes (2/3)

As of June 14, 2013, this montage will no longer be available on Pod-O-Matic. It can be heard or downloaded from the Internet Archive at the following address / A compter du 14 juiin 2013, ce montage ne sera plus disponible en baladodiffusion Pod-O-Matic. Il peut être téléchargé ou entendu au site Internet Archive à l'adresse suivante:

https://archive.org/details/Pcast105



===================================================================== English Commentary – le commentaire français suit

For this second part to our complete set of the Haydn Paris Symphonies, I chose two of the four symphonies that have nicknames.

We heard "La Reine" last week, and we will hear "The Bear" next week. People probably already know about "The Hen", which is the second of our two symphonies today, but few people bring up the fourth symphony with a nickname: "In nomine Domini" or In the Name of God.

Like the other Paris symphonies, Symphony no. 84 was written for the Concerts de la Loge Olympique, possibly the largest orchestral ensemble that Haydn had written for up until that time, including reinforced woodwind parts and a large string section. Unlike the other Paris symphonies (save No. 87), in No. 84 greater prominence is given to woodwind instruments. Despite its number, the symphony was actually one of the last of the six Paris symphonies to be composed, completed in 1786.

The more well-known Symphony no. 83, "the Hen", sees its nickname come from the clucking second subject in the first movement, which reminded listeners of the jerky back-and forth head motion of a walking hen. The performance I chose is from one of the many Haydn symphony recordings by Sir Colin Davis and the Concertgebouw orchestra, a humble homage to the recently deceased conductor.

To complete the montage, I chose to fill with many works inspired by hens and roosters, this includes Respighi's Hen from The Birds, and Carl Nielsen's delightful Dance of the Cockerels from his opera Maskarade. For good measure, I added the short and cute miniature from Mussorgsky's Pictures at an Exhibition "The Dance of the Chicks in their Shells". For this excerpt, I chose the prchestration by Leopold Stokowski.

As the sizeable work to this filler section, I chose a vinyl recording of Rimsky-Korsakov's suite to his opera The Golden Cockerel by Antal Dorati and the London Symphony from one of his many Mercury recordings. Le Coq d'Or is probably one of Rimsky's rare political operas, meant as a caricature of the current (and, as History tells us, the last) Czsr. Under Czar Nicholas II Russia became involved in a war with Japan. This war was highly unpopular amongst the Russian people. It proved to be a military disaster, and Russia was eventually defeated. (In the Golden Cockerel, King Dodon foolishly decides to make a pre-emptive strike against the neighbouring State, and there is huge chaos and bloodshed on the battlefield. The king himself gives more attention to his personal pleasures, and comes to a sticky end.) Rimsky-Korsakov decided to create a work exposing the disastrous tsarist regime, and in 1906 he started work on the Golden Cockerel. Finished in 1907, the opera was immediately banned by the Palace, and was not allowed to be staged – the resemblance between the Czar and the foolish King Dodon was too close.

To close out, one last chicken dance:

=====================================================================

Commentaire français

Notre second volet de notre survol des symphonies Parisiennes de Haydn considère une paire de symphonies à surnom. En fait quatre des six symphonies héritent de sobriquets - la reine (la semaiine dernière), l'ours (la semaine prochaine) et nos deux sélections de cette semaine.

Commençons par le surnom le moins célèbre des deux: la 84e a pour surnom "In nomine Domini" (latin opour au nom de Dieu) prend avantage des nombreux instruments à vents - en partic lier des bois - de l'orchestre des Concerts de la Loge Olympique. Les exégètes musicaux croient que cett symphonie est une des dernières composées dans cette série.

Des deux symphonies d'aujourd'hui, la plus connue est sans doute la 83e symphonie., "la poule". Le surnom provient du deuxièeme thème du mouvement initial, qui rappelle les déplacements pleins de soubresauts d'un poulet.  Tant qu'à l'enregistrement retenu, il s'agît d'un des nombreux signés par le tandem du Concertgebouw et de Sir Colin Davis qui ont endisqué ensemble toutes les symphonies londonniennes et quelques unes des autres du compositeur. Sir Colin, bien spur, nous a quitté il y a quelques semaines.

En complément de programme, j'ai choisi de remplir le montage avec des oeuvres dont les titres s'inspirent de coqs et de poules: la poule extraite des oiseaux (Gli Ucelli) de Respighi, la danse des coqueraux de l'opéra Maskerade de Nielsen et la danse des poussins des tableaux d'une exposition de Moussorgski. Cette dernière est extraite de l'orchestration Stokowski.

Une des oeuvres retenues en complément est une suite de Rimski-Korsakov extraite de son opéra d'inspiration politique Le Coq d'Or. Pour la plupart des Russes contemporaiuns de Rimski, les parallèles entre les péripéties (et déboires) du Tsar Dodon de cet opéra rappellent ceux du Ras Nicholas (qui connaîtra une fin des plus notoires aux maoins des Bolchévistes. La cour tasriste a dailleurs empêché qu'on mnonte cet opéra en Russie Tsariste.

Bonne écoute!

Once Upon the Internet - Reiner Hochmuth Plays the Haydn Cello Concertos

This is a past Tuesday Blog from May 14, 2013

According to the artist's webpage, German cellist Reiner Hochmuth began to play the cello at the age of 10. After winning numerous prizes at German Youth Competitions he chose to study music seriously rather than pursue chemistry.

In 1973, he spent one year in private study with Paul Tortelier at the Folkwang-Hochschule in Essen (where he returned in 1976 to study with Janos Starker and graduated with honours in 1980) and made his debut playing Tchaikovsky's Variations on a Rococo Theme with the Hamburger Symphoniker. After winning first prize at Bristol's International Cello Competition Reiner toured through England to perform with a number orchestras. Performances with the New Philharmonia as well as with the German Youth Orchestra in London are highlights of this period.

In 1983 the National Institute of Art in Taipei, Taiwan, asked him to become a guest professor for a period of three years. Since then he was travelling to Asia to perform in various countries and to teach. In 1995 he came into contact with the Chi Mei Culture Foundation which runs its own museum and owns a great collection of fine instruments. Since that time Reiner Hochmuth got the chance to play the two important Strad Cellos ("Ex Boccherini - Ex Cassado" and "The Pawle") for concerts and recording.

Hochmuth was (and still is) one of the first "internet savvy" cellists, a member of the Internet Cello Society and was featured on the original MP3.COM (In fact, his website still shows signs of that relationship.)

Among his "complete" recordings available on the service at the tine is today's featured tracks from his Haydn album with the Polish Chamber Orcehstra - a solid "old school" performance. As filler, I added another Haydn recording I downloaded at the time, by the period Orchester Damals und Heute, of the "Trauer" (funeral) symphony.

Happy listening!

Franz Josef HAYDN (1732-1809)
Concerto no. 1, in C Major, for cello and orchestra, Hob VIIb:1
Concerto no. 2, in D Major, for cello and orchestra, Hob. VIIb:2

Reiner Hochmuth, cello
Polska Filharmonia Kameralna
Wojciech Rajski, conducting
(Thorofon CTH 2001)

(MP3.COM, 23 November 2001)

Symphony no. 44, in E Minor, Hob. I:44 “Trauer”
Das Orchester Damals und Heute
Michael Alexander Willens, conducting
(MP3.COM, ca. 2001)

Reiner Hochmuth joue Haydn

In English: http://www.talkclassical.com/blogs/itywltmt/1165-once-upon-internet-reiner.html

 

D'après  le site web de l'artiste, le violoncelliste Allemand Reiner Hochmuth commença à jouer du violoncelle à l'âge de 10 ans. Après avoir connu du succès dans des concouts, il opte pour une formation en musique plutôt qu'une formation en chimie. En 1973, il suivra un stage intensif au  Folkwang-Hochschule sous l'éminent Paul Tortelier - il y retournera en 1976 pour parfaire sa formation sous, entre autres, le regretté Janos Starker et y obtient son diplôme en 1980. Il fera ses débuts avec orchestre en jouant les Variations rococco de Tchaikovski avec le Hamburger Symphoniker. Après avoir remporté le premier prix au concours international de Bristol Reiner fera une tournéa au Royaume Uni, y jouant avec le New Philharmonia ainsi qu'avec l'rorchestre des jeunes d'Allemagne.

En 1983 il ira enseigner à l'institut des arts de Taipei (Taiwan). Depuis lors, il voyage régulièrement en Asie. C'est en raison de cette association qu'il a accès à des instruments Stradivarius ("Ex Boccherini - Ex Cassado" et "Le Pawle") pour ses récitals et ses enregistrements.. Hochmuth est un des premiers violoncellistes internautes - il est membre de l'Internet Cello Society et fut l'un des artistes de marque du site MP3.COM (son site personnel en a encore des vestiges.)

Parmi les albums "complets" offerts sur ce service est mon chgoix d'aujourd'hui, les deux concerti pour violoncelle de Haydn accompagné d'un orchestre de chambre Polonnais - une belle version "vieille école".   En complément de programme, la 44e symphonie de Franz Josef, par l'orchestre de courant authentique Orchester Damals und Heute.

Bonne écoute!

Franz Josef HAYDN (1732-1809)
Concerto no. 1, en ut majeur, pour violoncelle et orchestre, Hob VIIb:1
Concerto no. 2, en ré majeur, pour violoncelle et orchestra, Hob. VIIb:2
Reiner Hochmuth, violoncelle
Polska Filharmonia Kameralna Wojciech Rajski, direction
(Thorofon CTH 2001)
(MP3.COM, 23 novembre 2001)

 Symphonie no. 44, en mi mineur, Hob. I:44 “Trauer” (funèbre)
Das Orchester Damals und Heute Michael Alexander Willens, direction
(MP3.COM, ca. 2001)

Internet Archive: https://archive.org/details/03Concerto

Montage # 104 - Haydn: The Paris Symphonies/les Symphonies Parisiennes (1/3)

As of June 7, 2013, this montage will no longer be available on Pod-O-Matic. It can be heard or downloaded from the Internet Archive at the following address / A compter du 7 juiin 2013, ce montage ne sera plus disponible en baladodiffusion Pod-O-Matic. Il peut être téléchargé ou entendu au site Internet Archive à l'adresse suivante:

https://archive.org/details/Pcast104


===================================================================== English Commentary – le commentaire français suit

Today’s montage is the first of a series of three where I will present and discuss the set of six symphonies byJoseph Haydn  (nos. 82 to 87 in Volume I of the Hoboken catalogue) collectively known as the Paris symphonies.

In 1779, Haydn renegotiated his contract with the  Court of Esterházy and as a result, Haydn gained more freedom to compose for audiences and musicians outside of the Court and was permitted to sell his work to publishers. This resulted in the composition of a great number of new string quartets (the six-quartet sets of Op. 33, 50, 54/55, and 64). Haydn also composed in response to commissions from abroad: the Paris symphonies (1785–1786) and the original orchestral version of The Seven Last Words of Christ (1786).

Haydn’s sponsor for the Paris symphonies was Claude-François-Marie Rigolet, Comte d'Ogny, an aristocrat and France’s Postmaster General. The ensemble  intended  to create the symphonies was the Paris-based Concert de la loge 'Olympique' (trans. Orchestra of the 'Olympic' (Masonic) Lodge), made up of well-over 50 professional and amateur musicians  -  an extraordinary size of orchestra for the time. (Haydn's own ensemble at Eszterháza was never larger than about 25 total.). According to composer Luigi Cherubini, who participated in the orchestra, the finest musicians in Paris performed in the premieres of the symphonies, and received them with "rapture". The performances were attended by royalty, including Queen Marie Antoinette, who particularly enjoyed the Symphony No. 85, giving rise to its nickname.

It is indeed à propos to bring this symphony up, as it is one of the three works I have programmed for today’s montage, the other two being related to this work – one by ancestry, the other one as it is part of the set of six. There is also another common thread – the performers, but more on that later.

Marie-Antoinette, wife of Louis XVI of France and infamous in her own right, was the fifteenth and penultimate child of Holy Roman Emperor Francis I and Empress Maria Theresa. Her mother was also accorded the favor of Haydn compositions: his Mass in B-Flat (the Theresienmesse, Hob. XXII:12) and his  Symphony no. 48, written some 13 years earlier.

The Symphony No. 87 in A major, the sixth and last of the set, is unremarkable at first glance - it is only one of two symphonies in the set without a nickname, and is another of the many "cookie cutter" symphonies Haydn is known for. But you may well be surprised by it...

All three performances are from the Hyperion set of Haydn symphonies recorded some time ago by the Hanover Band under Roy Goodman, a set that was one of my 2012 Gumdrops. As I tried to explain at the time, Haydn often gets a “bum rap” as a composer of formulaic, almost bland symphonies. What Goodman and his group manage to do is provide a lot of zing to the music-making, and this gives each symphony a lot of individual character – more so than, say, the rich orchestral sound of a Colin Davis (whom we will hear next week).

I think you will love this music too.

=====================================================================

Commentaire français

Ce billet est le premier d’une série de trios où j’entends vous proposer l’intégrale des six symphonies de Joseph Haydn  (nos. 82 à 87 du Volume I du catalogue Hoboken) qu »on surnomme les symphonies Parisiennes.

En 1779, Haydn s’entend sur un nouveau contrat avec la Cour d’Esterházy. Ce contrat lui permet plus de libertés; il peut composer pour des ensembles autres que l’orchestre de son mécène, et retient tous les droits d’auteur pour ses œuvres, qu’’il peut maintenant faire publier par l’éditeiur de son choix.  Parmi les œuvres qu’il composera sous cette nouvelle entente, on compte les quatuors des opp. 33, 50, 54/55, et 64), les symphonies Parisiennes et la version originale des  Sept dernières paroles du Christ (1786).

Les symphonies furent la commande du Comte d'Ogny, un aristocrate et maître des postes de France. Les œuvres devaient être exécutées par  le concert de la loge 'Olympique' composé de plus de cinquante musiciens amateurs et professionnels (soit le double des effectifs de l’orchestre de Haydn à Eszterháza). Un de ces musiciens, le compositeur Luigi Cherubini, rapport l’enthousiasme des musiciens lors de ces performances. Bien entendu, la société Parisienne était au rendez-vous, y compris la Reine Marie Antoinette, qui fut éprise de la 85^e symphonie, qui aujourd’hui porte le surnom « La Reine ».

Cette meme ssymphonie fait partie des sélections du montage d’aujourd’hui, accompagnée de deux autres symphonies, une Parisienne, l’autre «Eszterházienne», composée expressément pour la visite de la mère de Marie-Antoinette, l’Impératrice Maria Theresia.

La dernière symphonie au programme est la 87^e (la 5^e de la série), en la majeur. Certaines mauvaises langues diront qu’il s’agît ici d’une des innombrables symphonies «à formule» de Haydn. Mais ne vous laissez pas prendre au piège, celle-ci a du mordant!

Le fil commun entre ces trois symphonies est le chef et l’ensemble; j’ai choisi les prestations « historiques » de l’ensemble des symphonies de Haydn sous l’étiquette Hyperion, par The Hanover Band et le chef Roy Goodman (Voir mes coups de cœur 2012).Le jeu de Goodman et ses troupes est vif, plein d’entrain et offre une perspective humaine à ces symphonies, que d’autres chefs (dont le regretté Colin Davis et le Concertgebouw) semblent sacrifier pour un son plus musclé et moderne.

Bonne écoute!

Filumena (Estacio)

Version originale (en anglais): http://operalively.com/forums/showthread.php/829-OTF-%96-Filumena-Opera-%93Made-in-Alberta%94?p=10869#post10869

Notre opéra du mois pour mai souligne une paire d’événements qui s'y rattachent : le dizième anniversaire de sa création et le 90^e anniversaire du fait divers qui représente le dénouement de l’opéra.

Le fait divers est, il faut le souligner, une importante source d’inspiration piur l’Art Dramatique en général – que ce soit des situations historiques ou des situations contemporaines. La production plus tôt cette année de l’Opéra de Montréal de Dead Man Walking de Jake Heggie est un fort bel exemple d’un fait divers qui anime un opé.ra.

Dead Man Walking a ceci en commun avec l’opéra d’aujourd’hui: le fait divers tourne autour d’une exécution. Chez Heggie, on relate les derniers jours d’un coindamné à mort. Chez John Estacio, on se permet plutôt d’explorer les personages et les événements du délit qui nous amènent au pénitencier et, ultimement, à l’échafaud.

Qui est Florence Lassandro?

En 1917, la Gendarmerie Royalke du Canada (communément appelée la « Police Montée ») quitte la province Canadienne de l’Alberta (où elle a un mandat de police rurale) afin de concentrer ses effectifs pour des fins de sécurité nationale en raison de la Première Guerre Mondiale. Le gouvernement de l’Alberta crée alors une police provinciale (qui existera jusqu’en 1932) afin d’assurer l’ordre hors des grands centres urbains de Calgary et Edmonton.

Les 15 ans d’existence de l’APP chevauchent une période discutable de ands l’histoire de la province – la prohibition de la vente et consommation d’alcool. Cette mesure, en place aux USA durant cette période, n’est pas instaurée dans la province voisine – la Colombie-Britannique – donc il y a un commerce illicite (ce qu’on appelle aujourd’gui le bootleg).

On peut imaginer que le bootlegging est un commerce fort lucratif, et que certains individus seront prêts à faire fi des lois, et s’engager dans ce commerce. L’un d'eux est un entrepreneur et échevin local, Emilio Picariello, qui s’adjoindra d’un aubergiste local et de sa jeune épouse, Florence Lassandro.

Le trafic d’alcool est « une affaire de famille » chez les Picariellos, et le fils ainé Steven fait des visites régulières outre la frontière provinciale, traversant le Crowsnest Pass , un passage au travers des Rocheuses juste au Nord de la frontière Américaine. Lors d’une course frontalière, il sera intercepté par l’APP La suite des évènements est floue, mais il est clair que Florence et Emilio visiteront les baraques de l’APP à la ville de Coleman, et ils abatteront le constable Stephen Lawson le 21 septembre, 1922. Lassandro et Picariello seront arrêtés, jugés et reconus coupables du meurtre d’un policier, un crime capital au Canada. Ils seront pendus au pénitentier de Fort Saskatchewan le 2 mai, 1923.

Florence Lassandro est la seule femme pendue en Alberta.

A lire (en Anglais): http://www.edmontonjournal.com/news/...assandro1.html.

Argument de Filumena

En Anglais: http://filumena.johnestacio.com/synopsis.asp

Filumena se veut l’aventure d’une adolescente Italienne, nouvellement immigrée au Canada, Florence (Filumena) Lassandro. Elle est promise et mariée peu après à un aubergiste qui est passablement plus âgé qu’elle.

L’auberge opérée par Florence et son mari est situé près de la municipalité de Lethbridge, qui se trouve tout près du Crowsnest Pass, à une heure d’automobile de la frontière provinciale avec la Colombie-Britannique.

Fait à noter: un des partenaires du mari de Florence est un autre Italo-Canadien Emilio Picariello, qui s’engage dans le trafic illicite de whiskey en Alberta.

Emilio convainc Florenbce (qui préfère soin nom Italien de Filumena au nom canadienisé donné par sa famille) de participer au commerce. Il lui propose d’accompagner son fils Steven lors de randonnées outre-frontière, afin d’esquiver la police. « On ne soupçonnerait jamais un couple de jeunes mariés » suggère-t-il.

La table est mise: on ne peut qu’imaginer comment Filumena s’éprend du jeune Steven. Bien sûr, le mari n’est pas dupe, et il révèle l’entreprise è la police, qui cernera Steven lors d’une course qu’il fera seul. IL y a des coups de feu, et on ne peut que conclure que Steven a été tué.

Spontanément, Emilio et Florence se rendent au domicile d’un des agents qu’ils croient responsable, et l’abattent. On apprend sur le fait que Steven est blessé, mais vivant, mais il est trop tard. Les meurtriers sont cernés et on se prépare à les juger.

Lors d’une visite de Steven au pénitencier, il implore Florence de prendre entière responsabilité pour le meurtre: car elle est une femme, elle sera épargnée de la peine de mort – tandis qu’Emilio sera sûrement pendu. Florence refuse, et les deux condamnés seront pendus.

Création et réception

Après une série d’ateliers où compositeur, librettiste et chanteurs ont collaboré à l’élaboration de l’oeuvre, c’est Bramwell Tovey, qui dirigera la grande première au Southern Alberta Jubilee Auditorium de Calgary le  1^er février 2003.

L’opéra séduira la critique, mais non sans semer la controverse. Le livret présente un portrait plutôt sympathique de Filumena, et non le portrait d’une meurtrière et bootlegger. Les survivants de la famille du constable Lawson (et beaucoup de résidents de la région) considèrent outrageux qu’on suggère que Filumena étit une victime de ses circonstances.

La Prestation

La porestation retenue est la partie sonore de la télédiffusion par la CBC/Radio-Canada d’une production de l’Edmonton Opera.

John ESCATCIO (*1966)
Filumena (2001-03)
Opera et 2 actes et 5 scènes
(Livret en anglais: John Murrell)

DISTRIBUTION PRINCIPALE
Filumena, Laura Whalen
Emilio, Gaétan Laperrière
Steve, David Pomeroy

Edmonton Opera Chorus
Edmonton Symphony Orchestra
Robert Dean, direction

 

Montage # 103 - You Call That a Symphony? / Vous appelez-ça une symphonie?

As of May 31, 2013, this montage will no longer be available on Pod-O-Matic. It can be heard or downloaded from the Internet Archive at the following address / A compter du 31 mai 2013, ce montage ne sera plus disponible en baladodiffusion Pod-O-Matic. Il peut être téléchargé ou entendu au site Internet Archive à l'adresse suivante:

https://archive.org/details/Pcast103



===================================================================== English Commentary – le commentaire français suit

Next week, and for a three week period, I will be programming all six of Haydn’s Paris symphonies. This thematic arc led me to consider symphonies in a broad sense, and in what context do we use the word – and the form.

Haydn (along with Mozart and countless other composers) have come to symbolize the symphonic form – a four-movement work following a formula: sonata / slow movement / dense / finale. However, the term needs not be limited to mean those kinds of works.

For instance, the earliest sinfonias are really derivatives of what we have come to call overtures. In Johann Sebastian Bach’s parlance (and that of other baroque composers like Telemann) am “overture” was really a “suite”. In the parlance of Rossini and Verdi, a sinfonia is really a short prelude to the first act of a stage work.

Mozart’s 32^nd symphony, along with, say, his 7^th symphony (which was re-spun as the overture to La finta semplice), can be viewed as an overture in the Italian style. In fact, in the Mozart overtures LP by Karl Böhm, this is exactly how it is captioned!

Igor Stravinsky (who will make frequent visits to our podcast this month) is next with his Symphonies of Wind Instruments . The title of the work has the odd use of plural in the title. Here Stravinsky consciously used the term symphonies in the old French meaning of a sonorous piece, as in "Symphonies and Fanfares for the King's Supper." The composition dates from 1920 and grew from a short chorale-like work he wrote in Debussy's memory; this became the last section of a work about 10 minutes in length, composed for a rather large ensemble of 23 winds.

In both the Romantic and Classical traditions, there are works that are called symphonies that are really concerti – just like some solo keyboard works by Bach are called concertos. Both Haydn and Mozart composed sinfonias coincertante, which are really concertos for orchestra, featuring subsets of instruments in dialogue with the orchestra. Composers such as Vincent d’Indy (Symphony on French Mountain Airs), André Mathieu (Symphonie Romantique, a second name for his Concerto de Québec) and Edouard Lalo wrote “symphonies” that feature a predominant solo instrument. Lalo’s Symphonie Espagnole stands out as a mainstay of the concertante repertoire for violin.

Our final “odd symphony” is the exuberant Organ Symphony no. 5 by Charles-Marie Widor.  Widor, Vierne and to a lesser extent Franck and  Dupré wrote truly symphonic works for the organ. In this setting, what these organists wanted to do is explore the full potential and sonic spectrum of the King of Instruments. Widor wrote 10 of these, and though some can be considered as more grand and pompous than this fifth symphony, its playful Toccata has come to epitomize the genre.

I think you will love this music too!

=====================================================================

Commentaire français

A compter de vendredi prochain, et ce pour trois semaines, je vous propose l’intégrale des symphonies Parisiennes de Haydn. Comme préambule cette semaine, un regard particulier sur des œuvres qu’on appelle des symphonies sans toutefois suivre la formule préconisée par les clacissistes.

Haydn, Mozart et tant d’autres composèrent des symphonies qui suivent une forme typiquement étalée sur quatre mouvements sonate/lent/danse/finale. Toutefois è l’oirigine, la symphonie (ou sinfonia) s’associe plutôt à ce qu’on appelle une ouverture.

Dans le cas des compositeurs baroques tels Bach et Telemann, une ouverture est une suite de miniatures (souvent des danses). Pour d’autres compositeurs, ouverture signifie prélude, ou une pièce d’entrée pour une œuvre de scène. D’ailleurs, Verdi et Rossini feront référence à leurs ouvertures usant spécifiquement du mot sinfonia.

La pièce d’entrée de notre montage est la 32^e symphonie de Mozart. En fait, comme sa 7^e qui s’inspire ou recycle son ouverture pour son court opéra La finta semplice, cette symphonie a comme sous-titre (selon un vieux disque de ma collection) d’ouverture dans le style Italien.

(Avertissement: Stravinski sera un compositeur populaire ce mois-ci – rendez-vous le 29 mai…)

Stravinski suit Mozart avec une oeuvre qui date de 1920, donc peu de temps après son exil de Russie. Ses symphonies d’instruments à vents a un titre qui se distingue par l’usage du pluriel. En fait, ce choix fait référence aux compositeurs baroques français (tels Mouret) et l’atmosphère de leurs œuvres royales (pensons au Symphonies pour les soupers du Roy). Originalement, la mélodie exploitée par Stravinski formait le choral d’un « tombeau de Debussy ». L’atmosphère funèbre survit, et est amplifiée par le savant usage d’une vingtaine d’instruments à vents.

Haydn et Mozart ont tous deux composé des œuvres qui recoupent l’esporit de Vivaldi et Handel et leurs concerti grossi. Ces œuvres, appelées symphonies concertantes, sont en fait des concerti pour groupes de solistes et orchestre. Certains compositeirs romantiques adoptent ce titre pour des œuvres concertantes; Vincent d’Indy met en vedette le piano dans sa symphonie sur des airs montagnards, par exemple. C’est dans cette tradition qu’on doit considérer la célèbre Symphonie Espagnole d’Edouard Lalo.

Enfin, notre dernière symphonie qui n’en serait pas une est la Symphonie pour orgue. J’ai parlé des œuvres d’envergure symphonique des organistes-compositeurs français Vierne, Franck, Dupré et Widor. Ce dernier composera 10 de ces symphonies pour le Grand Instrument, et sa cinquième est sans doute sa plus jouée, en grande partie à cause de son attrayante toccata.

Bonne écoute!